23 Juil.

Interview d'Alan Deprez, au Short Film Corner du Festival de Cannes avec Cruelle est la Nuit

Il y a quelques semaines, nous vous proposions notre avis sur le court-métrage Cruelle est la Nuit d’Alan Deprez. Rencontré à Bruxelles à l’occasion du BIFFF 2017, le camarade a pu nous accorder un peu de son temps pour décortiquer avec nous la conception de son film et les enjeux de celui-ci, mais également pour simplement parler cinéma et donner son avis sur la situation. Entre coups de gueule, coups de cœur et débat sur le genre, l’entretien pour le moins conséquent (c’est peu de le dire) était bien trop intéressant que pour l’amputer.

 

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Cruelle est la nuit est au Cannes Short Film Corner


Cruelle est la Nuit est un court-métrage qui renferme de nombreux concepts : une espèce de révolte politique qui part ensuite dans tous les sens (sado-masochisme, violence graphique…). Peux-tu nous expliquer ton idée de départ ?

C’est assez compliqué, en fait. Je ne voulais surtout pas faire une œuvre hyper référentielle ou trop consciente de ses références, parce que c’est quelque chose qui m’insupporte de plus en plus. Je ne supporte plus tous ces « jeunes » réalisateurs d’une/de première(s) œuvre(s) qui, constamment, font des clins d’œil à des œuvres ayant marqué leur cinéphilie et qui se complaisent - d’une certaine façon - dans cet art de la référence. J’en ai un peu marre du recyclage. Curieusement, je ne sais plus d’où m’est réellement venue cette idée de personnages étrangers à un milieu et qui débarquent dans une partie fine. La post-production a aussi été interminable car au départ, le film devait être prêt pour 2016, mais comme à chaque fois, je veux faire simple et au final, je fais plus compliqué ! Je m’étais dit qu’on allait faire un huis clos pour ne pas être tributaire des extérieurs. La première vision que j’ai eue était ces mecs qui partent en mission dans le but d’assassiner une personnalité influente et sont un peu pris au dépourvu, puisqu’ils débarquent en pleine partouze. Ensuite, la nature très noire et nihiliste du film existe car, en cours d’écriture, j’ai perdu deux personnes qui comptaient énormément pour moi, à savoir ma grand-mère et mon cousin ; ce qui m’a fait traverser une période assez douloureuse. D’ailleurs, Cruelle est la Nuit leur est dédié. Il y a donc une dimension très personnelle dans le projet et l’humour qu’on peut retrouver dans le film n’est arrivé que plus tard. Il y a un peu de moi dans chaque personnage car, même si je me considère comme apolitique, j’ai mes idées et c’est clair que parfois, je pense qu’il est préférable de tout « brûler » pour repartir sur des bases saines. C’est ce que le personnage de Kel fait dans le film, même s’il s’inscrit dans une démarche toute autre.

Tu parles d’une post-production qui a été tirée en longueur. Dans quelle mesure cela a-t-il joué sur le retard du projet ?

Il y a plusieurs choses qui sont entrées en ligne de compte. Il faut savoir qu’au départ, le court-métrage devait être réalisé pour le « COLLECTIFFF 2 » (NdA : groupe de réalisateurs de courts-métrages dont les œvres sont soutenues par le BIFFF et diffusées lors d’une édition précise du festival - le premier « COLLECTIFFF » a eu lieu en 2012 – ndlr). On a tourné trop tard par rapport à la diffusion prévue pour le BIFFF 2016 et on ne s’en est rendu compte qu’en cours de tournage. Par ailleurs, le monteur ne pouvait pas débloquer tout son temps pour travailler sur le film et en assimiler toute la matière dans un délai si court. La post-production a presque duré 10 mois. On a donc monté une bande-annonce, diffusée dans deux festivals mais pas au BIFFF, ce qui aurait pu être bizarre par rapport aux autres films du COLLECTIFFF, dûment finalisés. C’est vrai qu’on a pris le temps de bien faire les choses, en se disant qu’on avait entre les mains un film très atypique et singulier, à plus forte raison au sein du paysage cinématographique franco-belge et dans le domaine du court-métrage. Pour nous, c’était une grande délivrance lorsqu’on a assisté à la première privée du film au Cinéma Galeries (Bruxelles, le 1er novembre 2016).

 

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Alan Deprez est à Cannes avec Cruelle est la Nuit


Parle-nous un peu de la direction photo. Parce que ton court-métrage comporte, comme on le disait, une dimension nihiliste complètement assumée, mais son esthétique est très léchée. C'est sombre mais soigné. Quels étaient tes choix artistiques à ce niveau-là ?

Tout d'abord, cela fait un certain temps que je travaille avec le même chef op', Nicolaos Zafiriou. C'est une vraie collaboration artistique et je ne serais rien sans lui. Si je fais le compte, je crois qu'on a dû bosser sur une trentaine de projets ensemble, même si beaucoup d'entre eux n'ont pas abouti. Il a éclairé mes trois courts-métrages, ainsi que trois ou quatre clips, plus d'autres choses. Il faut savoir que je suis quelqu'un qui accorde beaucoup d'importance à l'esthétisme, même parfois un peu plus qu'au scénario ou au récit en lui-même. Certes, le scénario est fondamental, mais en tant que spectateur, je peux être séduit par un film qui aurait des carences scénaristiques, mais qui, visuellement, serait sublime. Par exemple, si on s’attarde sur Suspiria de Dario Argento, ce n'est pas un modèle de construction scénaristique : ce qui fait qu'on reste accroché est en grande partie dû à la direction photo de Luciano Tovoli. Je fonctionne comme ça et c'est ainsi que l’on a fonctionné sur Cruelle est la Nuit. « Zaf » (Nicolaos Zafiriou) et moi avons défini une esthétique. Nous voulions une caméra qui avait une bonne sensibilité pour le grain de la peau. Pour parler un peu technique, nous avions opté pour une caméra assez rare : l’Ikonoskop, une caméra suédoise dont la licence a été rachetée par une boîte belge, qui, par la suite, a directement fait faillite. On a vite compris pourquoi (rires), puisqu'elle était très « prototype » et nous a créé les pires emmerdes sur le tournage. Elle surchauffait tout le temps et causait parfois pas mal de problèmes au niveau de l'enregistrement des rushes (on s'est retrouvés avec des rushes inutilisables, altérés par de fines trames rappelant l’image d’une VHS usée). Mais on l'avait choisie parce que c'était une des caméras qui imitait le mieux le grain du 16 mm. On avait aussi deux autres caméras : une pour les plans un peu plus « clippés » et tournés de nuit, l’autre destinée à servir de 2ème caméra (NdA : respectivement une Sony Alpha 7S et une Pocket Black Magic, qui « matche » plutôt bien avec l’image de l’Ikonoskop – ndlr). Il est vrai que pour nous l'esthétique était super importante.

Tu mentionnais ton choix de caméra qui rendait bien le grain de la peau et tu nous parlais de Suspiria... On aurait envie de faire un parallèle avec David Lynch (Alan nous avait déjà expliqué auparavant être un grand fan de ce réalisateur). Est-ce un réalisateur qui t'influence dans tes créations ?

Peut-être bien. En tout cas il a eu un aspect fondateur pour moi parce qu'à la base, je suis un simple fan, mais c'est en découvrant Blue Velvet que j'ai voulu devenir réalisateur. Pour moi, il y a vraiment eu un avant et un après Blue Velvet. Par contre, je suis moins fan de ce qu'il a fait « récemment », comme ses travaux vidéo ou encore Inland Empire (son dernier long-métrage datant de 2006 – ndlr), qui m'a un peu horripilé. David Lynch est un réalisateur purement « sensoriel » qui sait faire fi de toutes les conventions scénaristiques encore de mises dans le métier, afin d’emmener le spectateur vers l’émotion pure.

 

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Cruelle est la Nuit au Cannes Short Film Corner


Et le giallo ? C'est un style qui t'a aussi marqué dans ton parcours cinématographique ?

J'aime beaucoup les gialli, même si je trouve qu'en ce moment, certains éditeurs en sortent un peu trop. Il y a donc une certaine overdose de gialli et c'est un peu dommage car, par exemple, pour parler d’œuvres bis, il n'y a pas que le cinéma bis italien, mais des « films d'exploitation » partout dans le monde. Il y a certain films bis grecs ou encore indonésiens qui ne sont pas exploités chez nous et heureusement qu'il y a des éditeurs comme Mondo Macabro aux États-Unis pour s'occuper de ça. Mais pour en revenir aux gialli, c'est clair que j'aime beaucoup la sensualité qui s'en dégage. Leur côté sensuel et charnel aussi, puisque c'est quelque chose qui me touche. Il y a pas mal de gialli que j'aime beaucoup comme Mais qu'avez-vous fait à Solange ? - qui est génial - ou encore certains films de Sergio Martino avec Edwige Fenech, qui est une actrice magnifique dont je tombe amoureux à chaque film (rires). Toutes les Couleurs du Vice n'est pas forcément cité par tout le monde, mais il est génial, tout comme Le Venin de la Peur de Lucio Fulci, qui se situe presque par moments entre le giallo et le film psychédélique. Mais il y en a tellement… J'aime aussi beaucoup les gialli prenant racine à Venise, comme Terreur sur la Lagune. Ils ont vraiment capté cette atmosphère de décrépitude propre à Venise, décelable par ailleurs dans La Clé de Tinto Brass, un cinéaste que j'adore. De ce réalisateur, j'apprécie beaucoup Caligula, même si le film a été truffé de plans hards retournés par le grand patron de Penthouse à l'époque, Bob Guccione. Il est évident que je suis sensible à la « recherche de sensualité » qui caractérise ce genre de films. Je pense que c'est le genre de bandes qui nécessite de savoir se déconnecter et de ne pas intellectualiser ce qu'on voit pour l’apprécier pleinement. La symbolique est très forte aussi et ça, c'est quelque chose qui me parle. Il y en a d’ailleurs beaucoup dans mes films.

Justement, le spectateur peut pointer différentes symboliques dans Cruelle est la Nuit. Comme au niveau esthétique, tu as des influences qui se ressentent clairement, si cette esthétique va de pair avec la symbolique, peux-tu nous expliquer celle-ci par rapport à ton court-métrage ?

Ce qui serait intéressant serait que toi, tu me dises ce que tu y as décelé.

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Les fameuses marches prises par l'ami Alan


La première chose qui m’a frappé dans ton film au niveau symbolique, c’est le nihilisme. Il est très présent. Ensuite, il y a des phrases qui sont énoncées par tes personnages comme par exemple, celle qu’on pouvait déjà entendre dans le trailer de Cruelle est la Nuit qui est « Au final, l’issue sera la même pour tout le monde ». Elle montre bien la vanité de la révolte. On se révolte, OK, mais finalement, comme le fait comprendre ton personnage principal, c’est un peu comme pisser dans un violon…

C’est marrant, car j’en parlais il n’y a pas si longtemps que ça avec Pascal Françaix, journaliste et essayiste, qui, l’an dernier, a écrit un brillant ouvrage sur le torture porn (Torture porn : L’horreur postmoderne). Nous étions invités dans la même émission de radio. Il m’a soufflé que, pour lui, Cruelle est la Nuit est un film postmoderne qui a su digérer pas mal d’éléments d’œuvres antérieures et dans lequel, surtout, on ne prenait parti pour aucun camp. Il y a une sorte de « pourriture généralisée ». Dans le camp des assaillants, il y a un discours très marqué, mais leur idéologie n’est pas plus défendable que les petits intérêts de l’homme politique à qui ils en veulent, qui est complètement véreux et organise des parties fines chez lui. À côté de ça, la dimension nihiliste, comme on l’a dit plus avant, me touchait beaucoup. Je pense qu’on est dans une époque un peu artificielle (un peu « fake ») et surconnectée, où les gens ont perdu le contact avec les choses et se sentent obligés de donner un avis sur tout - d’avoir tout vu, tout lu, tout entendu, alors que c’est impossible -. Je crois qu’il faut savoir se « reconnecter » aux choses. Nous sommes allés trop loin… Nous nous trouvons dans une époque complètement désenchantée, que l’on traverse avec la peur au ventre, provoquée notamment par les divers actes terroristes qui ont émaillé ces dernières années. J’espère que les gens qui verront notre film pourront y déceler cela, parce que c’est clairement sur cette base qu’il a été conçu - cette peur et cette façon d’insuffler la terreur dans l’inconscient des gens -. Maintenant, des personnes redoutent de sortir de chez elles, d’aller à des concerts, de prendre les transports en commun…. Le film renvoie un peu en creux cette image-là.

 

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Nicole Kidman au Festival de Cannes lors de cette édition anniversaire


Sans tomber dans la métaphysique, est-ce que tu voulais faire émerger une espèce de réflexion sur l’existence au travers de Cruelle est la Nuit et peut-être faire réfléchir les gens sur le fait qu’il y ait encore des valeurs auxquelles on peut encore se raccrocher ?

Il y a pas mal de choses qui sont dénoncées dans le film. Si l’on s’attarde sur Kel (incarné avec intensité par Kevin Dudjasienski), il s’agit d’un personnage qui est complètement déconnecté de la réalité et qui a perdu le contact avec son prochain. Pour lui, les personnes qui l’accompagnent ne sont même pas des frères d’armes, mais simplement de la chair à canon. Ça vient renforcer cet angle nihiliste, car quand on regarde l’itinéraire de Kel, c’est une sorte d’itinéraire vers un suicide… C’est quelqu’un qui veut mourir mais ne veut pas « mourir de sa propre mort » ; il se construit donc une espèce de quête presque mystique avec pour apothéose l’assassinat d’un homme politique (Stavros, joué par Pascal Gruselle). C’est une manière de planter le couteau dans le dos de toute cette petite bourgeoisie, bien que ça n’ait plus beaucoup de sens… C’est aussi pour ça que dans le film, Stavros lui affirme que la lutte des classes est terminée. À l’heure actuelle, on est bien au-delà de ça. Cette guerre, on l’a perdue depuis longtemps… Nous vivons maintenant dans un monde où tout est contrôlé par tous ces grands conglomérats et les multinationales. À titre d’exemple, toute cette mode du véganisme part d’une bonne intention, mais même si on paie bien cher nos produits bio (ce que je fais souvent), le sol est tout de même pollué et la plupart du temps, on ne sait même pas lorsqu’on ingère des OGM ou d'autres produits nocifs… Sinon, pour en revenir au film, il y a surtout un côté très désenchanté. Pour traiter d’un autre personnage, Sid (Bertrand Leplae), est simplement quant à lui dans une quête de virilité : c’est un faux dur et il surjoue ce côté « brut ». Sa batte de baseball est un peu l’extension de sa virilité. Et a contrario, le personnage d’Arnaud (Arnaud Bronsart) est un peu une façon de stigmatiser une partie de cette jeune génération qui ne partage plus les mêmes valeurs que nous. De vrais « branleurs » ! (rires) Ça m’insupporte, ces nouvelles générations qui n’ont plus le respect des aînés, ne prennent même plus la peine de prouver des choses par leur travail ou par leurs actes et qui pensent que tout leur est acquis. Le personnage d’Arnaud représente quelqu’un dont la vie est un peu « vide de sens » et qui tente de lui en donner un en participant à cette mission, mais il y va un peu « comme s’il allait à Walibi » (parc d’attraction belge-ndr) (c’est Arnaud qui m’avait soufflé ça durant une lecture du scénario). Il y va pour les sensations fortes, mais toute la dimension politique insufflée par le personnage de Kel lui est complètement étrangère. Il y a des tas de choses dans Cruelle est la Nuit. Ce n’est absolument pas humble de dire cela, alors que pour moi l’humilité est hyper importante, mais j’avais envie de donner un grand coup dans la fourmilière avec ce film car, comme je te le disais plus tôt, j’en ai vraiment marre de toute cette mouvance de courts-métrages qui ont une approche condescendante vis-à-vis du genre, qui se complaisent dans les clins d’œil et uniquement dans ceux-ci. Ils balancent simplement toutes leurs références à l’écran et voilà…

C’est limite parodique pour toi ?

Ouais, c’est parodique et j’en ai un peu ma claque. J’en ai vraiment marre de ce côté ricaneur où l’on adresse systématiquement des clins d’œil aux spectateurs. Par exemple, je n’ai rien contre les films de la Troma et j’en apprécie même certains, mais je suis passé à autre chose. Comme je te l’ai dit plus tôt il y a des évènements intimes qui m’ont fait changer. Mes envies de cinéma ne sont plus les mêmes qu’avant. J’ai envie de tenter une greffe de différents genres dans mes courts et qu’il y ait des variations « tonales », comme passer d’une facette crue, charnelle ou sexualisée à un aspect plus drôle. Qu’il y ait vraiment un melting pot de tout cela.

 

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Les moyens les plus classiques sont souvent les plus efficaces


Mais, en fait, ce que tu expliques là, ce sont différents côtés du cinéma dont tu es issu, quand on sait ce que tu fais. Quand on te lit dans la presse (CinémagFantastique, Mad Movies, …), on perçoit ta culture cinéma en général, mais aussi et surtout celle qui concerne le cinéma de genre, le cinéma asiatique ou encore le cinéma porno. Tu avais envie de mélanger un peu tout cela avec Cruelle est la Nuit ?

Oui, voilà. Et de nouveau, ça va paraître con ce que je vais dire, mais insérer des scènes de sexe non simulé dans un format de court-métrage, je n’ai pas l’impression que ça ait déjà été fait ou du moins, pas de cette façon-là. Désolé, mais il fallait des couilles pour oser le faire… Je trouvais ça interpellant. Le fait aussi de réunir un casting hétéroclite, où l’on associe une ex-star du porno (la ravissante Sabrina Sweet) avec des acteurs « traditionnels » comme Damien Marchal ou Bertrand Leplae, qui se retrouvent au beau milieu de vrais libertins - donc d’actes sexuels non simulés -, ça m’intéressait beaucoup. J’aimais beaucoup également le fait d’y introduire un acteur comme Pierre Nisse, qui a énormément de génie dans sa folie. Pour l’équipe technique, c’était assez nouveau car, si pour ma part, j’avais déjà eu l’occasion de tourner des reportages sur des plateaux de John B.Root (réalisateur œuvrant dans le porno) pour Hot Vidéo TV, la grande majorité des techniciens de Cruelle est la Nuit n’avaient jamais cadré, éclairé ou maquillé des acteurs impliqués dans des séquences « hard ». Ça leur a sans doute fait bizarre au début, mais très vite, leur professionnalisme a repris le dessus. Parfois, c’était même étrange pour moi, parce que même si j’avais déjà filmé des reportages de ce genre, ce n’était jamais sur mes propres plateaux, donc là, je devais choisir les positions des figurants (libertins), composer les couples… C’était particulier d’être à la lisière du hard. Cela dit, j’insiste sur le fait que ce n’est pas un porno et que ça reste un film de genre. Beaucoup de gens ne veulent pas le comprendre et disent que c’est du porno, souvent sans avoir visionné le film. Il faut dire que, depuis que j’ai été salarié chez Hot Vidéo (ça fait bientôt 4 ans que cette époque est révolue), il y a encore pas mal de personnes qui disent que je fais du porno ou que je suis dans le milieu, mais c’est totalement faux, même si j’ai pu écrire des articles à ce sujet. Cruelle est la Nuit n’est pas pornographique. C’est un court-métrage de genre avec du sexe non simulé comme il pourrait y en avoir dans les films de Gaspar Noé, par exemple.

Est-ce qu’avec Cruelle est la Nuit, vous avez pu faire passer tout ce que vous vouliez, ton équipe et toi ? Avez-vous été totalement libres en termes de création ou y a-t-il encore eu des limites qu’on vous aurait imposées ?

Pas vraiment. Les limites qu’on a pu rencontrer sont les limites de chaque court-métrage. C’est-à-dire des limites budgétaires, puisque le film n’a pas un budget faramineux et que les inscriptions en festival continuent de coûter très cher. Il y avait aussi des limites de temps, parce que ce qu’on a tourné en cinq jours aurait normalement dû nous en prendre dix. On subissait un rythme infernal, surtout concernant les trois jours pendant lesquels on a tourné dans la villa. On tournait tous les jours de 9 heures du matin jusqu’à facilement 3 ou 4 heures du matin le jour suivant… Au bout d’un moment, l’équipe technique avait envie de me tuer. Il a fallu nous forcer - le cadreur (Benjamin Liberda), le chef op’ (Nicolaos Zafiriou) et moi - à descendre en régie pour nous alimenter, parce qu’on ne mangeait même plus... On courait après notre vision - plus précisément après la mienne, car toute l’équipe était derrière moi -. De toute évidence, il y a toujours un peu de frustration, mais il s’agit certainement, de tout ce que j’ai fait jusqu’à présent, du résultat le plus fidèle par rapport à ce que j’avais couché sur papier. Cela étant, on a quand même dû laisser tomber une quarantaine ou une cinquantaine de plans ; ce qui nous a parfois compliqué la vie au montage... Ça ne me déplait pas du tout, mais arrivés à un certain stade, pour certaines scènes, nous avons quasiment été forcés de partir sur quelque chose d’encore plus conceptuel ou de plus minimaliste.

 

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Pour clôturer l’entretien, tu peux nous dire un peu quelles sont globalement les réactions et les échos que tu as déjà pu avoir par rapport à Cruelle est la Nuit, puisqu’il a déjà été projeté à différents endroits et festivals ?

Globalement, les échos sont positifs, ou même parfois, très bons.

S’il y avait une critique négative que tu devais retenir, ce serait laquelle ?

C’est assez difficile à dire. Je suis prêt à prendre en compte n’importe quelle remarque à partir du moment où elle est constructive. Je peux comprendre que certaines personnes aient un problème avec notre film, avec ses plans explicites ou d’autres éléments subversifs. Tu vois, par exemple, une personne m’a reproché que pour elle, Cruelle est la Nuit était « gratuit ». Alors qu’au final, tu te rends compte que cette personne n’avait pas du tout fait gaffe aux dialogues ou surtout, aux voix off en début de film… Sans cela, il n’a plus de sens… Ce n’est pas un film mainstream ni un grand film fédérateur, mais il n’a pas été pensé pour être tiède : soit tu y adhères complètement, soit tu le rejettes en bloc. Tant qu’il ne laisse pas les gens de marbre !

Guillaume Triplet et Jean-Philippe Thiriart

06:43 Écrit par Jean-Philippe Thiriart dans Bilans de festivals, Interviews, Présentations de festivals | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : festival, de, cannes, cruelle, est, la, nuit, alan, deprez | |  Facebook | |  Imprimer |

23 Juil.

Regard sur le BIFFF 2017

Gantz:O

Le manga Gantz n’en est pas à sa première adaptation. Le seinen (manga à destination des jeunes hommes) a en effet déjà eu droit à un anime plutôt moyen, plus court et avec une fin différente, ainsi qu’à deux films live passés relativement inaperçus en Europe.


Le manga est désormais de retour sous la forme d’un film d’animation reprenant l’un des arcs majeurs de Gantz, celui d’Osaka. On y retrouve Kato, l’un des héros principaux de l’intrigue, ainsi que plusieurs personnages clés comme Nishi, légèrement psychopathe sur les bords.

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Mais Gantz:O, ça parle de quoi ?


Après avoir été tué lors d’une bagarre dans le métro, Kato se réveille dans un appartement de Tokyo complètement vide à l’exception d’une sphère noire et de plusieurs autres personnes. Kato est rapidement mis au parfum : il est mort et la sphère noire s’appelle Gantz. Tous les soirs, les membres de cette fine équipe sont envoyés dans les rues de Tokyo afin de combattre des hordes de monstres plus dérangeants les uns que les autres. Sauf que cette fois, changement de programme : direction Osaka et sa team locale légendaire.

On retrouve une esthétique des monstres propre au manga, extrêmement malsaine que ne renierait pas Guillermo Del Toro. Ajoutez à cela une ambiance pesante et un univers qui ne pardonne aucune erreur de la part des héros et les leur fait payer au prix d’un bras, d’une jambe ou simplement de leur vie et vous obtenez un film d’animation à l’opposé des Pixar et compagnie.

La comparaison avec le manga

Par rapport au manga, on retrouve le côté extrêmement gore et sanguinolent de l’œuvre mais on écarte un peu la sexualisation à outrance. Probablement moins politiquement correcte ? Même si les héroïnes dans leurs combinaisons de cuir rappellent tout de même ce statut d’objet que leur avait attribué l’auteur du manga, Hiroya Oku. D’autant plus qu’elles n’existent qu’à travers leurs relations aux personnages masculins. Clairement, Gantz n’est pas une œuvre féministe...

En conclusion, du bon et du moins bon. Gantz:O reste un bon divertissement d’action mais laisse un peu tomber les réflexions au delà du premier degré pourtant bien présentes dans l’œuvre originale.


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The Invisible Guest


The Invisible Guest

« I love it when a plan comes together » disait John « Hannibal » Smith dans The A-Team... Pour Adrian Dora, par contre, cela semble un brin plus compliqué.


Sorte de golden boy de la Silicon Valley espagnole, Adrian est riche, célèbre et un peu volage. Le businessman ibérique se retrouve dans de sales draps lorsqu’il se réveille dans une chambre d’hôtel fermée à clef avec pour seule compagnie, le cadavre encore frais de sa chère et tendre maîtresse.

L’affaire, a priori indéfendable, attire l’avocate Virginia Goodman, sorte de légende du barreau qui cherche à terminer sa longue série de victoires par un coup de maître. Face à son client, elle n’aura qu’une seule soirée pour préparer leur défense.

Hitchcock es-tu là ?

Le film est donc un huis-clos spatial et temporel dans lequel l’intrigue se déroule sous la forme de multiples flashbacks et versions alternatives. Qui ment, qui dit la vérité, qui manipule et qui est manipulé ? A ce petit jeu là, Virginia Goodman semble a priori la plus forte.

Cela fait parfois penser à Alfred Hitchcock, notamment dans les scènes de huis‑clos avec les clins d’œil sur les fenêtres, mais la comparaison s’arrête là tant le film se construit une identité visuelle propre à travers les scènes de flashback.

Trop de tiroirs tuent le tiroir

Mais c’est bien là le principal défaut du film. A force de balader le spectateur de versions alternatives en versions alternatives, de retourner l’intrigue et de changer les points de vues, les enjeux disparaissent et la tension également. Oriol Paulo semble vouloir nous perdre dans des plot twists simplement pour la forme, sans que cela serve le propos de son film. Pour terminer avec un retournement final assez prévisible. Le film aurait gagné à ne garder que les bifurcations les plus essentielles et à utiliser le temps ainsi gagné à construire une réelle tension narrative sans effet d’artifice.

En conclusion, à force d’essayer d’impressionner son public à coup de retournements scénaristiques, Paulo oublie de créer une vraie tension et de l’intérêt pour les enjeux de son histoire. Mais réussit malgré tout quelques tours de force, moins prévisible que d’autres.

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Loop

La vie en Hongrie, ça rigole pas. Et encore moins pour Adam lorsqu’il essaye d’arnaquer son mafieux d’employeur en planifiant de voler et de revendre des capsules d’une drogue de synthèse. Ajoutez à cela le fait que sa copine décide de le quitter et que, pour couronner le tout, cette dernière lui annonce qu’elle est enceinte de leur marmot !


Oui, sauf qu’en Hongrie, le temps ne semble pas s’écouler de la même façon que dans le reste du monde…

Vous connaissez le « Déjà-vu », cette sensation d’avoir déjà vécu une situation dans laquelle vous vous trouvez ? Adam, lui, fait entrer le déjà-vu dans une toute autre catégorie. Ses emmerdes ne semblent pas seulement s’accumuler : voilà qu’elles se répètent.

(L)Oops…

Les boucles temporelles sont monnaies courantes dans le cinéma de SF et ce n’est pas toujours simple de s’emparer d’un sujet traité 1 000 fois déjà pour en faire quelque chose de neuf.

Ici, tout repose sur le scénario : une sorte de fuite vers l’avant, sans fin, qui se replie indéfiniment sur elle-même. Adam est constamment le témoin impuissant des mésaventures qu’il a déjà vécues plus tôt et se promet inconsciemment de faire mieux la prochaine fois. Va-t-il y arriver ?

On ne retiendra pas grand chose de Loop (Hurok en hongrois) qui, malgré de bonnes intentions et quelques bonnes idées (casser la règle du « on ne peut jamais toucher son double temporel ») ne décolle jamais vraiment.


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Missing You


Missing You

C’est pas tous les jours que l’on voit un film coréen s’attaquer au thème de la vengeance !

Ou pas.

Le cinéma coréen nous a offert quelques-unes des meilleures histoires de vengeance du grand écran, l’exemple le plus connu étant surement celui d’Old Boy de Park Chan-wook (présent d’ailleurs au BIFFF cette année). Pas étonnant donc de retrouver une fois de plus ce thème dans ce premier film de Mo Hong‑Jin.

L’habit ne fait pas le tueur

Le jour de son anniversaire, le père de Hee-jo, policier de son état, est assassiné et retrouvé gisant dans son sang par sa gamine, traumatisée. Le tueur n’en est pas à son coup d’essai. Ki-bum - c’est son nom - est finalement arrêté, mais faute de preuves suffisantes, il ne passera que 15 ans en prison.

À sa sortie, Hee-jo, maintenant jeune adulte, ne l’a pas oublié et compte bien savourer sa… vengeance !

Le machiniste coréen

Au delà de la mise en scène léchée et de l’excellent travail sur la lumière, c’est surtout la prestation des acteurs (habitués aux comédies romantiques) que l’on retiendra, et particulièrement celle, glaçante, de Kim Seong-oh, tueur squelettique (il a perdu 16 kg pour le rôle) et manipulateur.

Bien que le film soit parfois inégal, certaines scènes restent imprimées dans la rétine du spectateur (notamment celle du viol de la prostituée ou du face-à-face dans la salle de bain) et contribue à faire de ce premier film une très belle réussite. Vivement la suite !


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The Oath


The Oath

Chaque année, nos voisins du Grand Nord nous abreuvent de polars dont eux seuls ont le secret. Entre les Millenium et Les Enquêtes du Département V, il y a de quoi se mettre sous la dent.


The Oath (Eiðurinn en islandais) vient se rajouter à cette longue liste mais ne figurera pas en bonne place sur celle-ci…

Finnur est un cardiologue réputé et apprécié. Il a la belle vie : maison design, pleine de bois et de béton, femme blonde et naturelle tout droit sortie d’une pub pour les Krisprolls et une petite fille trop mignonne. Sauf que Finnur à une deuxième fille, plus âgée, d’un autre mariage. Une ado rebelle raide dingue de son dealeur de petit copain. Un mec tout à fait charmant qui n’apprécie pas que l’on s’intéresse à son business et qui le fait savoir de façon un peu agressive. Et ça, bah Finnur, il aime pas trop.

Il y a lenteur et lenteur

Entre quelques plans magnifiques de l'Islande enneigée, la tension ne dépasse jamais les quelques battements par minute et le film semble entrer lentement en arythmie. C’est dommage parce que le potentiel est là, ainsi que les enjeux : jusqu’où un homme ordinaire est prêt à aller pour protéger sa fille et ce même contre son gré.

Plusieurs pistes sont également laissées en suspens, comme la menace constante des mauvaises fréquentations d’Ottar (le copain dealeur) qui n'apparaîtront jamais dans le film.

Resteront en mémoire, après le générique, une mise en scène sobre, efficace mais aussi très classique et quelques plans sur les routes islandaises.


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The Icebreaker


The Icebreaker (ou Titanic au Pays des Soviets)

À vrai dire, nous n'avons pas grand chose à raconter sur ce film. Après visionnage, il ne nous a fait ni chaud, ni froid. (D'accord, on sort.) On sent l’influence des films américains, style Roland Emmerich & Co avec, ici, une dose de patriotisme russe et un plus petit budget effets spéciaux.

Petrov est le capitaine du Mikhail Somov, un brise-glace soviétique faisant route dans l’Antarctique. Après une rencontre fortuite avec un iceberg évité de peu, Moscou décide d’envoyer un nouveau capitaine pour le remplacer. Sauf que ce dernier est pas des plus malins et coince son bateau et tous ses camarades dans les eaux glacées du Pôle Sud. En attendant que la bureaucratie communiste décide de venir les sauver, ils sont bons pour les rations réduites, le froid et ce satané iceberg qui les suit comme une bête en rut.

Preuve qu’Hollywood n’a plus le monopole des blockbusters qui envoient du lourd, The Icebreaker n’a pas d’autre réel intérêt que le divertissement pur et dur.


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Orbiter 9


Orbiter 9

Depuis sa plus tendre enfance, Helena n’a connu que l’environnement restreint du vaisseau spatial qui l’emmène coloniser une planète lointaine. Peu après sa naissance, suite à une avarie dans le système de survie du vaisseau, ses parents sont obligés de se sacrifier afin de lui permettre de survivre.


Et voilà qu’un beau jour, l’intelligence artificielle du vaisseau lui annonce la visite imminente d’un technicien venu réparer le système défaillant. Panique à bord : la demoiselle va rencontrer un autre être humain pour la première fois de sa vie. Mais elle est loin de se douter du bouleversement que cette première interaction sociale va engendrer.

Tel est pris qui croyait prendre

Le film parvient de façon assez surprenante à changer totalement de cap après les 20 premières minutes. Et si l’on peut se sentir trompé sur la marchandise au premier abord, le sentiment se transforme assez vite en réflexion plus poussée. La plupart des films traitant du voyage interstellaire omettent souvent d’aborder la question du sacrifice d’un tel voyage et du sort des pionniers d’une telle exploration.

Quel est le prix éthique ou moral de l’exploration spatiale et de la survie de l’espèce humaine ? Bien que le film choisit assez vite son camp, la question peut rester ouverte dans la tête du spectateur bien après le générique de fin.


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Tunnel


Tunnel

Assurément l’un de nos coups de cœur de ce BIFFF 2017 (à juste titre récompensé par le Prix de la critique) ! Enfin un bon film catastrophe qui s’assume et ne cherche pas à faire du sensationnalisme à tout prix !


Jeong-soo rentre chez lui après une journée de boulot et son chemin l’amène à emprunter un tout nouveau tunnel, censé raccourcir le temps de trajet des navetteurs vers Séoul. Mais alors qu’il est à mi-chemin dans le ventre de la bête, il est déjà trop tard. Le tunnel s’effondre comme un château de carte et Jeong‑soo se retrouve coincé dans la carcasse de sa voiture avec pour seuls vivres deux misérables bouteilles d’eaux et le gâteau d’anniversaire de sa fille. À l’extérieur, les secours s’organisent malgré les lenteurs administratives et les agendas politiques. Mais arriveront-il à le dégager à temps ?

Tu la sens la grosse critique ?

Mais le concept ne s’arrête pas à ce « simple » fil narratif géré de main de maître par le réalisateur Kim Seong-Hun grâce à un subtil mélange d’humour et de tension sans jamais tomber dans le sensationnalisme ou le larmoyant. Kim dépasse le carcan du film catastrophe et se tourne assez brillamment vers la satire politique au vitriol et tire à boulets rouges sur les politiques corrompus et les journalistes avides d’images fortes et de sensations qui le sont tout autant. Tout le système coréen en prend pour son grade et on en vient à regretter de ne pas avoir plus de films aussi audacieusement critiques dans nos contrées.

America ≠ Korea

Le cinéma américain nous a habitué aux clichés à la pelle dans ce genre de film et Tunnel les évite tous de façon naturelle. Mention spéciale au chef des pompiers, à mille lieues du super-héros sauveur comme aurait pu l’être un Bruce Willis aux USA.

Kim Seong-Hun a été marqué, comme beaucoup de Coréens, par la tragédie du Ferry Sewol en 2014. Cette influence s’en ressent d’autant plus dans la virulence et la pertinence de sa critique. Critique qui se transpose étonnamment bien à l’Europe de l’Ouest. Tous pourris partout ?

Simon Van Cauteren

03:24 Écrit par Jean-Philippe Thiriart dans BIFFF, Bilans de festivals, Critiques de films | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : bifff, festival, international, film, fantastique, bruxelles, critiques, films, tunnel | |  Facebook | |  Imprimer |

23 Juil.

Coup d’œil sur le BIFFF 2017

Pour sa 35e édition, le Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (BIFFF) avait une nouvelle fois mis les petits plats dans les grands histoire de proposer bien sûr de l’horreur, du fantastique, de la science-fiction mais également une sacré pelletée de thrillers afin d’éviter l’overdose de gore ainsi que certaines comédies noires particulièrement succulentes. Le focus coréen de cette année y était sans doute aussi pour beaucoup.
Si certains diront que le festival se perd au fil des années dans des relents plus « mainstream », laissons-les palabrer car pour notre part, nous y avons encore sacrément trouvé de quoi faire.

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Headshot des Mo Brothers nous aura permis d’entamer notre cuvée 2017 d’une manière pour le moins efficace.
On y suit un homme retrouvé avec une balle dans la tête sur une plage indonésienne et pris en chasse par une charmante doctoresse qui tente de le soigner au mieux. À son réveil, sa mémoire lui fera gravement défaut. Et lorsqu’on est amnésique, poursuivi par des brutes qui n’ont pas beaucoup de notions des dommages collatéraux mais qu'on s'avère être une véritable machine à tuer, il y a probablement de quoi se poser pas mal de questions. Un parallèle avec Jason Bourne est bien sûr inévitable mais Headshot n’en est pas non plus une pure copie bien que son postulat de départ soit sensiblement identique. Le petit dernier des Mo Brothers (Kimo Stamboel et Timo Tjahjanto pour les curieux) capte le spectateur de la première à la dernière minute tant au niveau de son rythme que des chorégraphies de combats. On n’est pas encore au niveau d’un chef-d’œuvre comme The Raid même si son acteur principal est dans les deux cas Iko Uwais mais on ne boudera certainement pas notre plaisir. On émet toutefois certaines réserves sur quelques scènes tirées inutilement en longueur et sur l’incapacité presque totale du personnage principal à être crédible dans des scènes un poil plus sentimentales.

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The Eyes Of My Mother, véritable ovni du BIFFF 2017


Le BIFFF a toujours eu son lot d’ovnis. Ce genre de film plus qu’étrange qui nous fait dire qu’il n’aurait pas eu sa place ailleurs. Et cette année, la palme (ou le Corbeau ?! Ah non : le film était dans la section 7e Parallèle du BIFFF) pouvait revenir notamment au premier long de Nicolas Pesce, The Eyes Of My Mother. Présenté au dernier Festival de Sundance (gage de qualité pour certains ou preuve d’un ennui viscéral pour d’autres) durant lequel il en a mis plus d’un mal à l’aise, le film raconte l’histoire d’une gamine élevée dans la ferme familiale par une mère qui lui apprendra tout sur la dissection et par un père aimant mais quelque peu taciturne. Un jour, mère et fille sont seules en attendant le retour du père et sont victimes d’un home invasion par un homme qui en profite pour assassiner la mère sous les yeux de la fille. Rien de vraiment neuf sous le soleil si on s’arrête à cela mais la suite parvient à prendre le spectateur à contre-pied dans un déluge pour le moins macabre (conservation de cadavre, tortures, déviances et on en passe).
Servi par un noir et blanc séduisant, The Eyes Of My Mother est le genre de bande qui se laisse plus apprécier avec le recul qu’à la vision même. Si l’ensemble était loin d’être parfait voire souvent ennuyeux, il n’en délivre pas moins quelques surprises inattendues. Mais il faudra tout de même nous expliquer un jour le pourquoi d’une sélection à Sundance.

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The Oath


The Oath, de et avec Baltasar Kormakur, nous venait d’Islande. Thriller aussi froid que les contrées dont il est originaire, l’histoire est celle d’un chirurgien aimant femme et enfants mais qui ne supporte plus de voir sa fille aînée avec le dealer coké qui lui sert de compagnon. Le gros problème est que papa ne choisit pas toujours les solutions les plus simples. Les options les plus radicales seront probablement inévitables.
Servis par des acteurs de haut vol qui donnent une réelle consistance aux personnages, The Oath est particulièrement convaincant en thriller aux relents hitchcockiens. Les paysages islandais sont d’une beauté à faire pâlir et le traitement narratif choisi permet au film d’exister en tant que tel en dépassant habilement les clichés de la simple histoire de vengeance. La tension est présente et subtile.

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Le Serpent Aux Mille Coupures, avec l'excellent Tomer Sisley


Toujours dans le genre thriller mais français cette fois-ci, nous attendions beaucoup du dernier Éric Valette, Le Serpent Aux Mille Coupures. En effet, ce n’est pas que le père Valette était attendu au tournant mais bon, six ans depuis son dernier film La Proie (avec Albert Dupontel), ça commençait à chiffrer. Bien sûr le réalisateur n’était pas non plus en reste puisqu’il est passé par la case série en réalisant différents épisodes de Braquo ou encore Crossing Lines, parmi d’autres. Toutefois, l’impatience commençait à se faire ressentir. Et à la vue de son petit dernier, on se dit qu’on a quand même bien fait d’attendre.
Adapté d’un roman écrit en 2009 par le Français DOA, Le Serpent Aux Mille Coupures est l’histoire d’une traque à grande échelle où différents destins et différents personnages aux intérêts différents finiront par se croiser et souvent par s’entretuer (ou à tout le moins essayer). Tout part d’un homme blessé qui se réfugie dans une ferme et prend la petite famille en otage le temps de sa convalescence. Le problème est qu’en plus d’avoir à ses trousses tous les gendarmes de la région, d’autres individus aux intérêts plus que douteux viendront se greffer dans la poursuite de ce mystérieux personnage campé par l’excellent Tomer Sisley. En gros, un tueur, un cartel espagnol, un chinois à la solde des Colombiens et un groupe de villageois racistes viendront se greffer à cette petite sauterie, ce qui permettra le croisement d’une galerie de personnages pour le moins intéressant et des scènes d’une violence encore assez rarement vue dans un film de genre français. Notre premier coup de cœur du festival.

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Un autre coup de cœur dans un genre tout à fait différent aura été Spit’n’Split. Premier long-métrage de l’un des enfants terribles du BIFFF, Jérôme Vandewattyne, qu’on avait découvert en 2011 avec son faux trailer She’s a SLUT! ou encore dans le cadre des courts-métrages du Collectifff avec Slutterball.
Spit’n’Split se veut être une expérience. Jérôme est parti sur les bases d’un documentaire sur le groupe rock The Experimental Tropic Blues Band. On suit celui-ci en tournée, en répétition, bref dans les différentes aventures que les membres sont amenés à vivre aux quatre coins de l’Europe avant de sombrer dans une folle fiction. Une aventure humaine qui dérive. Des gars qui jouent ensemble, s’aiment, s’énervent mutuellement, déconnent, s’amusent, affrontent la fatigue et les aléas de la vie de musiciens sur la route jusqu’à s’insupporter… Un ensemble d’éléments et d’expériences qui participent à l’authenticité d’un groupe de rock qui voue sa vie à sa passion. Une authenticité d’ailleurs parfaitement rendue dans le film puisque celui-ci est réalisé de prime abord comme un documentaire brut, spontané, naturel. Le grain roots sale du film (à l’image de la musique du groupe d’ailleurs) choisi par le réalisateur permet un rendu pour le moins fidèle aux malaises vécus par les personnages à de nombreux moments du métrage. Émouvant et attachant, Spit’n’Split est une ode à la vie de groupe et à l’amitié mais montre aussi le revers de la médaille et les galères que tout groupe de musique un tantinet sérieux a déjà sans doute vécu dans sa carrière. Ce docu-fiction va loin, dérange, pue parfois et emmène le spectateur dans une expérience dont il ne ressort pas totalement indemne. Un film qui regorge d’idées et représente une bien belle claque à destination de tous les amoureux de musique et de cinéma.

Replace de Norbert Keil nous aura par contre laissé relativement indifférent avec sa critique des dérives de la médecine. Une jeune femme constate sur certaines parties de son corps des pertes de peau importantes comme si elle était devenue un animal en pleine mue.
L
e sujet des cobayes humains inspire énormément le cinéma de ces dernières années. Toutefois, bon nombre de films ont tendance à se prendre les pieds dans le tapis avec des schémas un poil trop classique pour surprendre, ce qui est malheureusement le cas ici même si les efforts en terme de réalisation sont à souligner. Replace bénéficie d’une esthétique intéressante mais cela ne suffit pas à pallier l’ennui qu’il peut inspirer.

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The Autopsy Of Jane Doe


Le second coup de cœur du festival pour notre part fût The Autopsy Of Jane Doe, dernier film du réalisateur de Trollhunter, le Norvégien Andre Ovredal. Notez qu'il a obtenu le toujours agréable Pégase 2017, soit le Prix du Public du BIFFF. Un petit coup de maître que ce huis clos dans une morgue tenue par un père et son fils. Ceux-ci verront leur activité quelque peu chamboulée (ce n’est rien de le dire) lorsque le sheriff leur amènera le cadavre d’une jeune femme à identifier. Le corps de cette Jane Doe (nom donné par défaut aux personnes non-identifiées dans les pays anglo-saxons) semble cacher bon nombre de secrets.
Si l’exercice du huis clos n’est pas chose aisée, certains metteurs en scène y excellent toutefois, et c’est ici le cas de Ovredal, qui parvient à instaurer dès le départ une tension qui accompagne le spectateur jusqu’au bout. Servi par une imagerie gore issue du monde de l’autopsie, The Autopsy Of Jane Doe ne se contente pas de surfer sur la vague et de nous abreuver de tripailles et crânes trépanés gratuitement. Le film a l’intelligence de nous amener sur des terrains différents grâce à une dimension mystique bien placée. La bande est équilibrée, emprunte les ingrédients qu’il faut pour servir l’histoire mais sans s’attarder plus qu’il ne le faut sur les différents détails.

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Small Town Killers


Small Town Killers, réalisé par le Danois Ole Bornedal (réalisateur de l’excellent Deliver Us From Evil entre autres) représente enfin notre 3e coup de cœur du festival. Rien d'étonnant dès lors à ce qu'il ait reçu le Méliès d'Argent, Prix décerné au Meilleur Film européen. Typiquement dans la vague des comédies noires, Small Town Killers est un petit bijou d’humour caustique nordique qui voit 2 associés et amis faire appel aux services d’un tueur professionnel (quoique) russe pour liquider leurs femmes. Le gros souci est que quand on fait cela un soir de beuverie, on risque de le regretter le lendemain mais surtout de peiner à rattraper le coup, surtout quand ledit tueur est aussi porté sur la bouteille qu’un BIFFFeur sur les films de genre.
Gags et punchlines en cascade, quiproquos en tout genre, tout est là pour faire de cette comédie danoise un joyau du genre. Personnages attachants et situations tout aussi grotesques que cocasses font de Small Town Killers le genre de film dont on redemande.

Ce qui n’était malheureusement pas vraiment le cas de Prey (ou Prooi pour respecter nos amis néerlandophones) du réalisateur ma foi sympathique Dick Maas (Amsterdamned) avec son histoire de lion mangeur d’hommes échappé d’on ne sait où et faisant de la ville d’Amsterdam son nouveau terrain de jeu mais également son nouveau garde-manger. Certes le film est décomplexé et ne semble pas se prendre trop au sérieux (ce serait d’ailleurs un comble avec une esthétique de sitcom pareille) mais il peine à décoller, ce qui est bien dommage.

Guillaume Triplet

18:01 Écrit par Jean-Philippe Thiriart dans BIFFF, Bilans de festivals, Critiques de films | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : bifff, festival, international, film, fantastique, bruxelles, regard, bilan, critiques, coup, oeil | |  Facebook | |  Imprimer |

23 Juil.

Le Palmarès du 35e BIFFF est connu !

Ce soir, se clôture la 35e édition du Festival International du Film Fantastique de Bruxelles (BIFFF). Avec la projection de deux films : l'obligatoire dernier bébé d'Alex de la Iglesia - El Bar - en salle Ciné 1 et XX - signé par un quatuor de réalisatrices - en salle Ciné 2.

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El Bar du chouchou du BIFFF Alex de la Iglesia


Qui dit clôture dit aussi annonce du Palmarès du BIFFF cuvée 2017.

Côté courts-métrages, deux grands gagnants : Downside Up (Prix Jeunesse et Sabam) d'abord et ensuite et surtout Spooked (Prix Be TV et Fedex et... Grand Prix !)

Côté longs, le toujours agréable Prix du Public - le Pégase - est allé à The Autopsy of Jane Doe d'Andre Ovredal tandis que le Prix de la Critique a été remis à The Tunnel de Seong-hun Kim. Ce dernier a pu être découvert par certains gagnants de nos concours BIFFF organisés avec la complicité du Centre Culturel Coréen de Bruxelles. Bravo à eux et merci à nos amis coréens !

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Merci aux amis coréens pour les 28 places offertes aux visiteurs !


L
e Prix du 7e Parallèle a été décerné à Swiss Army Man du duo Dan Kwan - Daniel Scheinert et celui du Meilleur Thriller est allé à At the End of the Tunnel de Rodrigo Grande.

Le Méliès d'Argent, qui couronne le Meilleur Film européen a récompensé Small Town Killers de Ole Bornedal.


Niveau international, les fameux Corbeaux d'Argent vont à We Go On du duo Jesse Holland - Andy Mitton, et The Mermaid de Stephen Chow.

Quant au Grand Prix du Festival, le Corbeau d'Or, il a été décerné à Safe Neighborhood de Chris Peckover.


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Safe Neighborhood, LE grand gagnant du BIFFF 2017



L'ensemble du palmarès sera bientôt sur le site du BIFFF.

À dans un an pour la 36e édition de ce festival pour le moins... fantastique !

Jean-Philippe Thiriart

21:10 Écrit par Jean-Philippe Thiriart dans BIFFF, Bilans de festivals | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : bifff, festival, international, film, fantastique, bruxelles, palmarès, safe, neighborhood | |  Facebook | |  Imprimer |

23 Juil.

WHAT IFFF… Chapitre dixième - « Qui peut, à l'ombre du pouvoir, se permettre de parler des BIFFFeurs comme s'il s'agissait de données ? »

Rêve prémonitoire, abus de psychotropes bio ou délire paranoïaque, le sang coulera lors de cette 35e édition du BIFFF. Qui ? Quand ? Comment ? Pourquoi ? Il nous reste que quelques heures pour le découvrir…

 

Tequila frappée.jpgScoop : ce vendredi 14 avril, le sang a enfin coulé au BIFFF dans le cadre de la journée prélude au festival Boulevard du Polar qui aura lieu en juin… Lors d’une séance de lecture d’un roman de Nadine Monfils, la comédienne et humoriste Sandra Zidani a voulu embrasser le chien barré ou bourré de l’écrivaine. Se sentant agressé, ce dernier lui a mordu le nez. Infectée par l’agent mutagène dont le chien était porteur après analyse, la comédienne a à son tour mordu le nez de l’ambulancier venu lui porter secours. Du Mont des Arts au canal, ce rituel bucco-nasal s’est perpétré pendant toute la soirée et la nuit. Aux petites heures, la ville a été mise en quarantaine. Les derniers rapports de police rapportent que les personnes infectées se rassemblent au pied du Mont des Arts, à quelques pas de l’origine de l’épidémie. Une attaque en masse du palais de Bozar est à craindre. – Ici Bruxelles, édition du 15 avril 2017.

 

Ce réel fait divers du vendredi, couplé aux Zombifff’Lympics du samedi, aurait pu être l’apothéose de cette rubrique qui, depuis plusieurs jours, vous prédit que le sang coulera au BIFFF cette année. Il n’en est malheureusement rien… en tout cas pour l’instant ! En relisant ou re-visionnant les classiques du thriller et de l’horreur, à l’instar des Norman Bates, Alex Delarge et autres Jason, un tueur - ou un groupe de tueurs - pourrait volontiers recourir au grimage et au déguisement zombiesque pour perpétrer son crime. Alors, restez sur vos gardes, car cette avant-dernière journée du BIFFF pourrait très bien à l’insu de notre plein gré se terminer en zombifffolie meurtrière !

 

Mais dans cette éventualité, telle la morsure qui sied au zombie, quelle serait l’arme utilisée par ce ou ces tueurs grimés ? Afin de faire avancer rapidement cette enquête, n’hésitez pas à poster ci-dessous le type d’arme que vous privilégieriez pour commettre ce genre de crime.

 

"WHAT IFFF…",

une journalistico-fiction de Serge Adeline